No tendría caso recordar las razones por las cuales me metí al cine a ver esta película ya que el daño está hecho. Podría decir que quise bajar al mundo de los mortales y "divertirme" con una comedia romántica normal o tal vez quería ver algo "sencillo" después de tanto cine existencialista y alternativo. La cuestión al final es que las crepas con filadelfia y fresa estuvieron muy dulces.
Como "al mal paso darle prisa" iré directamente al grano. "La fuente del amor" narra la historia de una neoyorkina fascinada con su trabajo como restauradora de arte en la gran manzana llamada Beth. Después de "uno de esos días", Beth queda completamente desilusionada del amor, decidida a ser la mejor en lo único que disfruta, que es su trabajo. En un viaje a Roma, para la boda de su hermana, recoge algunas monedas de una fuente "mágica" lo cual provoca que los dueños de dichas monedas se enamoren perdidamente de ella. El grupo de hombres hechizados se compone de un magnate maduro, un mago, un pintor en busca de inspiración, un odioso y narcisista modelo y un ex jugador de fútbol llamado Nick, quien será de quien ella se enamore, pero, al final tendrá que lidiar con el hecho de si ese amor es verdadero.
De verdad que no puedo recordar desde cuando no había visto una comedia tan vacía, con un guión completamente incoherente y predecible. Los personajes principales, a pesar de ser acartonados pues llegan a conmover y emocionar un poco, tomando en cuenta que mucho ayuda que ambos sean atractivos. Sin embargo los personajes secundarios son un circo de payasos insufribles sin ninguna razón de existir. Danny Devito está de pena ajena, mientras que Angelica Huston trata de hacer una especie de Miranda Priestly pero región 4. La historia es completamente sosa y el final se puede vislumbrar a los 15 minutos, todo lo demás se rellena con un humor tan simple, estereotipado y vacío que no me explico como es que puede hacer reír a alguien.
Al final creo que meterme al cine a ver esta película me recordó el por que dejé de tener esa costumbre en primer lugar. Y es que definitivamente cuando solo te alimentas de alta cocina, los restaurantes de comida rápida resultan una asquerosidad.
Calificación: 1 estrella *
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Ganadora del oso de oro en el festival de Berlín y recientemente nominada al oscar como mejor película extranjera el segundo largometraje de la directora Claudia Llosa se ha convertido en un producto que ha llamado mucho la atención y se ha convertido en referencia del cine latinoamericano.
La teta asustada narra la historia de Fausta, quien vive con su madre en un barrio marginado y pobre en las afueras de Lima. Cuando su madre muere esta desea llevarla al pueblo a darle una sepultura digna, sin embargo es portadora del mal de "la teta asustada", un padecimiento que su madre le transmitió por la leche que hizo que Fausta naciera sin alma. Su madre, una víctima de la violación por parte de los soldados y guerrilleros en los años 80's nos narra, cantando, su terrible experiencia al inicio del metraje. Fausta, entonces decide ir a trabajar de sirvienta para poder juntar el dinero y llevar a su madre al pueblo, enfrentar la vida real aún con la fobia a causa del trauma que su madre le transmitió, lo cuál la hace tener una ira contenida a los hombres (todos violadores en potencia) que ella soluciona colocando una papa en su vagina a manera de "escudo".
De esta manera una historia que podría caer facilmente en el morbo es transformada por la directora en una revelación poética de canto a la libertad. Con una narración en todo momento contenida que llega a rosar con lo frío, el personaje de Fausta se nos presenta como un personaje hermético y melancólico, todo el tiempo a la defensiva, especialmente al lado de cualquier varón (excepto, quizás, su tío y primo), tal cual lo haría una mujer violada. Sin embargo el miedo de Fausta es imaginario, representado en una papa que echa raíces en su interior mientras ella palidece de un dolor físico y existencial que no la deja vivir en armonía.
Será entonces su extrema sensibilidad musical e ingenuidad la que la lleven por el camino de liberarse de todos esos demonios, con la ayuda del jardinero indígena que trabaja en la misma casa y la patrona pianista cautivada por su voz. Rodeado de festividades y tradiciones pueblerinas, así como de personajes carentes de emociones, es envidiable el esmero en la dirección para representar de manera seca pero a la vez emotiva la manera en la que la violencia afecta psicológicamente a las personas.
La teta asustada es la muerta de un cine alternativo, despojado de cualquier cosa que pudiera darle aires de grandilocuencia, pues ni su narrativa ni su estética pretenden ser amigables. Por el contrario un metraje difícil de digerir lleno de simbolismos que se esconden solo para quienes tengan la sensibilidad suficiente de dejarse atrapar por la narración. Usando planos largos y abiertos, una estética minimalista con diálogos escasos en español y quechua, así como una
extraordinaria interpretación por parte de Magaly Solier (Fausta) y una música y fotografía bien cuidados hacen de esta cinta una obra de arte en todos los sentidos.
Calificación: 6 estrellas ******
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
A lo largo de los últimos años se ha dicho e diversas ocasiones que nos encontramos en el "nuevo romanticismo", ya que muchos artistas (plásticos, cineastas, escritores, etc.) han volteado al tema de los vampiros para contar sus historias; sin embargo eso se dice gracias a la más exitosa saga de libros de Stephanie Meyer, "Crepúsculo". Tanto como el libro y la adaptación cinematográfica utilizan recursos gastados, estereotipos y mala ejecución de los recursos narrativos solo para conseguir dinero. En este sentido es tan refrescante encontrar una obra que utilice el tema del vampiro no solo de manera correcta, si no de una forma poética, inquietante, perturbadora y sumamente inspiradora.
"Déjame entrar" es una cinta que llega desde Suecia, nada más alejado a los clichés y las maneras de producción hollywoodense que tanto han deteriorado el cine. Nos cuenta la historia de un niño retraido llamado Oskar, él tiene problemas de adaptación en la escuela, es callado y misterioso, blanco de burlas y maltrado por parte de sus compañeros. El pequeño vive en su propio mundo cuando conoce a una extraña niña llama Eli, con quien casi de inmediato entabla una relación muy cercana. Sin embargo Eli tiene un escalofriante secreto y es que ella es un vampiro.
El director Tomas Alfredson nos entrega una obra maestra en todos los sentidos, filma una de las historias más bellas y terroríficas que se hayan visto jamás. Impresionante la forma en la que nos adentra en la relación de los dos niños, los momentos efímeros y poéticos de cariño, comprensión y ternura contrastan con el terror de la naturaleza de Eli. Nos regala secuencias de antología y, nos muestra como un lenguaje sencillo es mucho mejor que una cámara inquieta, los planos lentos y estáticos le dan un estílo único a la cinta, así como una fotografía bien cuidada, usando los colores fríos como el azul y el blanco contrastando con las tonalidades rojas.
Los dos niños actores estan de lo mejor, Eli es una niña misteriosa quien no trata de esconder el mounstuo que lleva por naturaleza, pero resulta una niña tan encantadora que se roba el corazón de todos; Oskar es un niño adorable y frágil al principio aunque esconde un mounstruo lleno de rencor, el amor que hay entre ambos se muestra de forma simple y adorable, un amor verdadero sin cursilerias ni melodramas. Definitivamente una película que no deben perderse, aunque se que a muchos no les gustará o les parecerá extraña, pero eso solo va a probar lo mucho que estan enseñados a la manera de contar historias de hollywood, ya que creo que esta cinta se volverá de culto en años posteriores.
Calificación 6 estrellas ******
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Luego de casi 13 años de que el autonombrado "rey del mundo" estrenara Titanic, consagrada como la película más exitosa en la historia del cine, regresa con un nuevo proyecto tras un par de documentales hechos para cine y televisión. Avatar llega a las pantallas del mundo con toda una racha de comentarios acerca del proceso de creación de la película. Cameron esperó más de una década a que la tecnología avanzara lo suficiente para poder dar vida a este mundo de ciencia ficción. Además de los rumores del costo de la cinta que, dicen por ahí, costó al rededor de $500 millones de dólares y la expectativa de expertos y público en general que esperaban una proeza visual inimaginable.
A pesar de los detractores debo decir que Cameron cumplió su cometido y es que Avatar si es un espectáculo visual fuera de serie, la perfección lograda hacen de cada cuadro una experiencia fabulosa que, definitivamente, debe disfrutarse en 3D. Una irresistible delicia para los amantes del género, original en el sentido visual y creador de uno de los mudos más fascinantes presentados en cine.
La película nos cuenta la historia de un ex marino llamado Jake confinado a su silla de ruedas, siendo hermano de un científico cuya misión era adentrarse en el planeta Na'vi para convivir con sus habitantes, tras la muerte de este hermano es oportunidad para Jake de continuar con la misión. Usando un Avatar hecho con ADN humano combinado con el de los nativos Jake es capaz de entrar en un cuerpo diferente y, a pesar de la desconfianza y hostilidad de los científicos, consigue, con la ayuda de la princesa Neytiri, que los nativos lo hagan uno de los suyos. Logrando su misión para tener una salida diplomática, ya que los humanos están ahí para sacar un poderoso mineral de las tierras pertenecientes a los nativos.
Ahora hay que recordar que James Cameron es un director de ciencia ficción enteramente fiel a las grandes y ostentosas producciones que no necesariamente necesitan de un argumento verdaderamente brillante para salir adelante. Detrás de todo este festín de efectos visuales y sonoros no se esconde una gran historia. El espectador se acostumbra, aproximadamente a media cinta a dejar que el planeta Na'vi deje de sorprender, y es ahí cuando se necesita de una narrativa que sorprenda, sin embargo el director no utiliza una narrativa ágil para continuar con el ritmo, por el contrario, sigue utilizando trampas narrativas para, nuevamente pasar al festín visual aunque la trama se convierta en algo sumamente predecible y poco innovador.
Más allá del mensaje ecológico y de la "conexión" con la naturaleza Avatar no consigue en ningún momento un argumento excepcional, la trama sigue una línea ya trazada por historias pasadas y la mayoría de los personajes resultan planos al final de la película. Tecnicamente es una película que nadie se va a perder, sin embargo si hay que enumerar ciertos errores como la música que no está a la altura de las demás cuestiones técnicas. Una cinta de la mejor calidad, entretenida y espectacular.
Calificación: 4 estrellas ****
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Volviendo de nuevo a postear en mi blog me gustaría hacer la crítica (más bien, una reseña) de esta película que me recomendaron desde hace un buen rato pero que no había tenido la suerte de encontrarla, hasta hace unas semanas, "La tumba de las mariposas".
Es bien sabido, sobre todo después de Pixar, que la animación ya no es un recurso para hacer historias infantiles si no que puede ser tan (o más) efectivo que las películas en live action. Y es que esta película no cuenta precisamente una historia sencilla, si no que nos cuenta la trágica vida de los hermanos Seita y Setsuko, quienes, a causa de la Segunda Guerra Mundial, quedan huérfanos luego de un bombardeo de tropas norteamericanas. Seita es un muchacho de no más de 15 años quien queda a cargo de su pequeña hermana, primero ayudados por la caridad de una de sus tías, sin embargo gracias a la escaces tendrán que sobrevivir por su propia cuenta.
A pesar de ser animación, el director Isao Takahana usa la sencillez en cada uno de los fotogramas y deja que sea la propia historia la que lleve al espectador al llanto inevitable, nunca se utiliza el melodrama exagerado y, aunque por momentos pareciera que se engolosina con la tragedia de los huérfanos, nos regala momentos de extrema ternura. Se siente el dolor de los personajes, quienes gracias a su corta edad tienen la capacidad de gozar pequeños momentos efímeros de felicidad, no así el espectador, quien ve como la vida de los personajes se torna cada vez más difícil hasta orillarlos a un destino fatal.
"La tumba de las mariposas" puede ser una de esas películas que se recomienda como "la más triste que he visto" ya que lleva al espectador a una crudeza que puede llegar a ser insoportable por momentos, pero es admirable la franquesa del realizador de no voltear hacia otro lado, si no de poner en tela de juicio esta historia acerca del robo de la niñez, de la crueldad, el desiterés y el egoísmo de la humanidad gracias a la guerra. El director no se enseña con el espectador para llevarlo al llanto si no que deja que la historia llene un vaso de emoción gota a gota, que al final se derrama en llanto y tristeza autenticas de una narración bien llevaba y no manipulada.
Pudiese recomendar esta película solo a personas con fuerte estómago o a personas que les guste el cine de reflexión, pero no lo haré. Definitivamente recomiendo esta película a todas las personas, por que el cine no debe de ser un escape de la realidad, si no, como ya lo decía Hegel en su estética "un buen retrato se parece más a la persona que la persona en sí".
Calificación: 6 estrellas ******
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Yo había prometido que ninguna fuerza, por potente que esta fuese me haría ver esta película, suficiente había tenido con la primera y con leer un capítulo de la novela, no me iba a someter otra vez. Sin embargo, gracias a una bola de casualidades terminé en la sala de cine con montones de quinceañeras moja bragas gritando emocionadas al nuevo fenómeno adolescente.
No pienso ponerme a enumerar o a comparar la cinta con la novela, ya que es una actividad inútil, primero por que no leí la segunda novela (¿Cómo para qué hacerlo?) y segundo por que lo que aquí me tiene escribiendo es su adaptación cinematográfica. La trama es medio simple, Bella Swan está cada vez más enamorada de Edward Cullen, sin embargo este teme por su seguridad al estar tan cerca de tantos vampiros, por esta razón decide alejarse, mientras la incauta pasa por una terrible depresión, su mejor amigo Jacob se enamora de ella, y es entonces cuando se hace el triángulo amoroso en medio de nuevas revelaciones y, el acercamiento a las 'autoridades' en el mundo de los vampiros.
La primera adaptación cinematográfica fué bastante mediocre, estabamos ante un filme mal realizado pero que sentó las bases de lo que ahora se mejoró. El director Chris Weitz es un realizador más diestro y le da elementos enriquecedores a la película, tales como una mejor fotografía, diseño de producción y efectos visuales, así como una narrativa más ágil, contrastando con lo aburrido y tedioso de la trama en la novela. El drama y la emoción no caen de manera drástica, llevando un ritmo relativamente constante.
Pero un director tampoco puede hacer maravillas ante un texto tan insípido y meloso. Kristin Steward es una buena actriz que sabe cargar con el peso el personaje haciendolo creíble, aún cuando todo lo que hace es sufrir y deprimirse, le imprime emoción y drama a su interpretación, al igual que Taylor Lautner, quien interpreta de manera correcta a Jacob, como el tercero en discordia. El problema es con Robert Pattinson, un actor tan gris y con poco registro actoral que, Edward Cullen, no tiene más méritos que ser guapo, la mejor interpretación de un hígado al natural del año para Cedric Diggory.
Las "novedosas aportaciones" de la autora siguen sin tener sentido, empezando por los hombres lobo, quienes se tranforman debido a que los hacen enojar (¿Qué así no se tranforma Hulk? Yo recuerdo que se tranformaban con la luna llena); el consejo de vampiros o los Volturi quienes residen en Italia (¡Que original!) donde, además, se pueden encontrar Lamborghinis a la vuelta de la esquina; entre muchas otras sorpresas que, francamente resultan de pena ajena. La cinta, sin embargo, resulta entretenida y de buena calidad comparada con la primera entrega, sin embargo esto no le quita el hecho de que siga siendo una muy mala película.
Dato: A pesar de todo el soundtrack resulta extremadamente bueno, muy recomendable conseguirlo.
Dato 2: Para los fans de Dakota Faning, ni se emocionen, aperece como 2 minutos.
Calificación: 3 estrellas ***
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Solo una función a las 17:45 hrs en Plaza Galerias, posters de 'New moon' por todos lados, gente entrando a ver '2012' y yo, solo, entro a ver esta película ganadora de la Palma de oro en el Festival de Cannes del 2008 y, nominada al Oscar en la categoria de película extranjera. Acompañado solo por 8 personas más en la sala, sabía un poco lo que me esperaba: una gran película que no se puede compartir con la gente "común", para mi, nada más genial.
La nueva cinta del director Laurent Cantet es más de lo que se muestra a simple vista, cuenta la historia de un profesor de francés en una secundaria pública en París, tanto él como los demás docentes comienzan el curso con ánimos y ganas de sacar adelante a los alumnos, pero gracias a la multiculturalidad y aversión de los alumnos poco a poco se va perdiendo la fé.
Tal como lo hiciera con su anterior trabajo, 'Tiempo de mentir (L' emploi du temps) el realizador presenta personajes atípicos, de carne y hueso con errores y emociones reales, pero no por eso menos antipáticos, hostiles y, al fin y al cabo, humanos. La cinta nos muestra a un grupo de alumnos multicultural, adolescentes, mayoritariamente rebeldes e inmaduros, un reto para cualquiera que se atraviese en su camino. No estamos ante una 'Sociedad de los poetas muertos', si no ante un retrato real y desesperanzado acerca de un grupo de alumnos. Pero si lo analizamos a fondo no son solo eso, representan a una sociedad moderna envuelta en problemas, aparentemente sin solución. Los alumnos cortan cualquier motivación y buenas intenciones que pueda tener su profesor, tambaleando entre su estricto sentido de la ética teorica, pero que al llevarse a la práctica resulta inútil.
Basado en la novela de François Bégaudeau (quien, aquí interpreta magistralmente al profesor y, quien escribió el guión), como su nombre original lo dice, la película nos muestra los conflictos y los sucesos alumno-docente en los muros de la escuela, sin salir nunca de ellos, sin embargo podemos entender perfectamente lo que sucede fuera de estos: conlictos raciales, familiares, económicos y políticos; reflejados en la actitud de los alumnos. Y esto es lo que hace a Entre los muros un film importante que hay que revisar más a fondo. De forma y fondo minimalista, a simple vista pueden ser solo peleas y gritos entre alumnos y docentes sin solución, pero es admirable la franquesa con la que el director no teme en mostrar la incomodidad del tema, ni ser agorero en su tratado.
La sencillez del lenguaje usado en la película se traduce en un realismo pasmoso, con actuaciones, diálogos y situaciones excepcionalmente comúnes y, por ellos sumamente dramáticas. Ningún diálogo está fuera de contexto. Una muestra de cine francés que se puede aplicar a cualquier sociedad moderna del planeta, donde los problemas parecen ser irremediables y solo tratables a corto plazo. Recomendada para cualquiera que puede ir al cine a ver más allá de la propia realidad y a cuestionarse sobre los conflictos sociales actuales. Por que la película es sobre un grupo de alumnos y su profesor en una visión superficial, sin embargo en una visión profunda es un relato sobre la sociedad actual y, por lo tanto, una cinta dura y pesimista.
Calificación: 6 estrellas ******
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
El cine lo hizo de nuevo. Nuevamente una película me conmovió hasta las entrañas, esto dada mi delicada situación en cuanto a las relaciones amorosas y el hecho de que la ópera prima del director Marc Webb es una original y fresca historia de amor historia acerca del amor.
Desde el inicio de la cinta el narrador nos advierte que esta no es una historia de amor y de ahí nos cuenta, de manera desfragmentada, los 500 días en que Tom Hansen se enamora de Summer Finn. Ella es la nueva asistente en la oficina donde trabaja Tom, un arquitecto que se dedica escribir tarjetas románticas. Seguimos su historia los 500 días que esta dura, desde que la conoce, se enamora de ella, a pesar de la negación de esta a una relación seria, al final cede pero... ¡ojo! ya nos habían advertido que esta historia no iba a terminar bien.
Precisamente de eso trata la cinta, de lo complicado que son las relaciones amorosas, donde siempre hay alguien que ama más que el otro. Donde puedes estar completamente enamorado y feliz, cuando el cielo es azul y pareciera como si las cosas flotasen a tu alrededor y como eso se puede venir completamente abajo si falta el amor. Cuando llega la decepción, la traición, la soledad el mundo se puede venir abajo mientras tú solo piensas en una cosa: el amor que pudo haber sido. La película lo toca de manera muy natural, con diálogos y situaciones tan comúnes que todos hemos pasado alguna vez, con las frases y los lugares clásicos para las relaciones amorosas actuales, son elementos que le dan realidad y frescura a la cinta y hacen que nos sintamos completamente identificados con ella.
El director proyecta de manera fantástica las emociones y sensaciones del protagonista, desde esos pequeños momentos que duran etenrnidades mientras estas enamorado: abrazos, besos, caricias y juegos. Hasta el momento del rompimiento en el que el mundo va cuesta abajo y ya no hay ninguna razón para seguir adelante.
Sin duda los actores sostienen muy bien la cinta, empezando por Zoey Deschanel como la dura y bastante cruel Summer, haciendola de la amante culpable del dolor y de la pena del protagonista. Por otro lado el que más brilla en el metraje es el jóven Joseph Gordon-Levitt quien encarna al adorable, sensible, depresivo y sincero Tom, una persona que solo se ha enamorado y al que le rompen el corazón.
Sin duda una película que no es la octava maravilla del mundo pero, a mi me conmovió enteramente, quizás lo único que no me gustó fué el final esperanzador, pero ya me olvidé de eso pensando que el mensaje que deja esta película es simple: las relaciones amororsas son una mierda.
Cada que se estrena una película de Almodóvar resulta un revuelo mediático y es que, estamos ante el que tal vez es el mejor cineasta español contemporáneo. Sin embargo la desventaja de que Pedro Almodóvar sea un ícono del cine resulta en una publicidad ostentosa que deja muchas expectativas al tratar de ver sus cintas más actuales. Esto sucede con "Los abrazos rotos" recibiendo críticas negativas en su país y alabada en Estados Unidos, la necesidad de ser objetivo es primordial en este caso.
La cinta narra la complicada historia de amor de un director de cine llamado Mateo Blanco (Lluis Homar) y su enamorada Lena (Penélope Cruz), no quisiera contar la trama real, ya que es bastante complicada pues estamos ante un laberinto narrativo de un director de cine convertido en alter ego del mismo Almodóvar contando su historia a través de sus propios miedos y traumas. A lo largo del metraje se va tejiendo una historia sobre traición, pérdida y secretos guardados por años. Como ya lo hiciera con 'La mala educación' contando con elementos del 'cine dentro del propio cine'.
La pregunta entonces ¿Es o no es una buena película? La respuesta inmediata sería que si, es una buena película, Almodóvar ha logrado a lo largo de los años el perfeccionamiento de su técnica narrativa y visual ahora llevada a un extemo que solo él puede alcazar, nos regala momentos de antología que quedarán en el colectivo cinematográfico, además de actuaciones memorables sobre todo de la cada vez más talentosa Penélope Cruz. quien es la encargada de llevar casi todo el peso dramático del metraje. Pero algo falla en los abrazos rotos que la hace solamente una buena película. Tendria que objetar el hecho de que Almodóvar, tal como lo hizo en 'La mala educación' quiere abarcar demasiado y llevar su talento a terrenos que no puede controlar del todo, la trama laberíntica se pierde por momentos en secuencias sin razón de ser, cameos sin sentido, personajes caricaturizados al extremo y nudos narrativos que solo consiguen marear al espectador.
En resumen, uno no debe de perderse ninguna película de Almodóvar, sin embargo yo prefiero cuando opta por historias con tramas más sencillas y sin pretenciones como en el caso de 'Hable con ella' o 'Volver' ya que, como dicen "El que mucho abarca, poco aprieta"
Calificación: 4 estrellas ****
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Es que dicen por ahí que "Una imagen vale más que mil palabras", tal vez sea cierto en cuanto a cine se refiere y es que no esta de más el pensar que la guerra es una de las peores cosas que la humanidad ha creado y alimentado a lo largo de la historia. Esto es algo que el cine ha retratado de manera muy convincente a lo largo de toda su existencia, desde las guerras napoleónicas hasta el holocausto, el cine ha estado ahí para mostrarlos su "versión" de los hechos cuando es ficción y, la cruel realidad cuando de documental se trata.
Vayamos, primero, con un poco de historia, antes de contarles acerca de esta maravillosa película que acabo de ver y que pronto se podrá conseguir en DVD Región 4, probablemente hasta doblada al español.
La Guerra del Líbano de 1982, denominada por Israel "Operación Paz para Galilea", fue un conflicto armado que dio inicio el 6 de junio de 1982 cuando las Fuerzas de Defensa de Israel invadieron el sur del Líbano con el objetivo de expulsar a la OLP (Organización para la liberación de Palestina) de dicho país. El Gobierno de Israel ordenó la invasión como respuesta al intento de asesinato del embajador israelí en el Reino Unido, Shlomo Argov, por parte del grupo de Abu Nidal. Durante la ocupación israelí de Beirut, se permitió la entrada de milicias cristiano-falangistas libanesas a la zona oeste de la ciudad, donde se encontraban dos campos de refugiados. El 16 de septiembre, dichas milicias entraron a los campos e iniciaron la ejecución de unos mil refugiados palestinos en la ciudad, en lo que se conoce como "Las matanzas de Sabra y Chatila".
Dado por entendido esto, comienzo. La cinta del director israelí viene siendo una especie de "documental animado" y es que el director relata hechos que pasaron en realidad con imágenes surrealistas creadas por él mismo y, no habiendo otra forma de retratarlas, usa la animación para hacerlo. La cinta comienza cuando el director tiene una plática con un viejo amigo en la que este le cuenta un sueño recurrente en donde es persegudo por 26 perros, este relato tiene que ver con su participación, gracias a su servicio militar, a principios de los ochenta, en la Guerra de Líbano y en las matanzas de Sabra y Chatila donde murieron centenares de refugiados palestinos. A pesar de haber coincidido en espacio y tiempo con los hechos, el director no recuerda absolutamente nada de lo ocurrido, tan solo algunas imágenes en las playas de Beirut con sus compañeros.
Después de esto, el mismo Folman decide darse a la tarea de visitar a sus amigos con los que compartió el servicio en la Guerra para así, poder recordar y liberarse de los fantasmas que aun lo acongojan. Resultado: Esta película. A manera de imágenes animadas el director va narrando sus anécdotas en el conflicto y, a manera de exposición más que de protesta, mostrarnos lo aberrante que es la guerra en sí. La cinta no se posiciona en ningún momento por ningún frente, deja que los interlocutores vallan narrando sus experiencias, sentimientos y traumas mientras en la pantalla vemos un festín de imágenes surrealistas, a la vez hermosas y oníricas, a la vez impactantes y crueles, pero en el fondo, reales.
Una película que impacta, pero nunca pretende mostrar más de lo que debe: la aberración de la guerra. La animación le sirve a Folman para trasladarnos a un mundo de metáforas visuales con escenarios fantásticos con imágenes francamente sacadas del inconsiente y, por ello, plenamente hermosas. Una banda sonora impecable y un guión que, en ningún momento, pierde el hilo conductor. Al final deja por varios minutos la animación para mostrar imágenes reales de la matanza, dejando una sensación de horror y tristeza que dura bastante. Sinceramente una de las mejores películas del año.
Calificación: 6 estrellas ******
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
Se dice que con el tiempo los cineastas de culto van perdiendo su originalidad, su frescura, su "toque", se pierden en pretenciones estilísticas y narrativas o, simplemente venden su talento a cintas de fórmula. Pero siempre existe la excepción que confirma la regla y esto lo demestra el cineasta americano Quentin Tarantino, quien nos sorprende, una vez más, con una muy lograda cinta que carga con su característico estilo pero aumentado y mejorado luego de varios largometrajes.
Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, la cinta nos narra la historia de Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), quien presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz, la mejor actuación de la película y uno de los mejores villanos que he visto en el cine), pero logra escapar y se esconde en Paris tras otra identidad haciendose dueña de un cine. Por otro lado sigue las hazañas de un grupo de judíos/norteamericanos que se hacen llamar "the basterds" comandados por el teniente Aldo Rein, cuya misión es simple: matar nazis.
Tarantino se vuelve cada vez mas diestro como escritor de largas y filosóficas conversaciones que, ahora tienen un sentido más profundo que en, digamos, Kill Bill. Pero no son solo los brillantes diálogos los que hacen de esta su mejor película después de "Pulp fiction" si no es esa maestría del director para combinar los elementos característicos de su cine en una historia más comprometida con una causa en concreto, en este caso no es solo la venganza de Shosanna o la misión de aniquilación por parte del teniente Rein si no es Tarantino inventando su propio cuento de hadas ambientado, como lo dice, en "La Francia ocupada por los nazis" haciendolo, al mismo tiempo sátira, al mismo tiempo homenaje a cintas clásicas y, al mismo tiempo, una reflexión acerca de la propia guerra.
Se ha criticado un poco acerca de las largas y "tediosas" secuencias de dialogos por parte de Tarantino, sin embargo la maestría del realizador en estas largas secuencias es atraparnos en este juego de angustia y sucesos inesperados que terminan en algo espectacular. Los actores estan fantásticos y, aunque Brad Pitt hace una buena interpretación no es lo mejor del film, brillan, por supuesto, el siempre inmejorable Daniel Brühl como el perfecto soldado nazi, Mélanie Laurent como la vengadora Shosanna y, Christopher Waltz como el coronel Landa, un personaje cruel, calculador, astuto y adorable. Sin duda una de las obras maestras del director, con una banda sonora y edición ya conocidas pero que dejan una gran cinta ya alejada de los homenajes estilísticos y narrativos de Kill Bill y Death Proof para, al fin otorgarle al público algo más fresco y original, como en aquel 1994 y Pulp Fiction.
Calificación: 6 estrellas ******
(1 estrella)* HORRIBLE (NI LA VEAS) (2 esrellas)** MALA (BAJO TU PROPIORIESGO) (3 estrellas)*** REGULAR (PALOMERA, ENTRETENIDA) (4 estrellas)**** BUENA (RECOMENDABLE)
(5 estrellas)***** MUYBUENA (SUPERRECOMENDABLE) (6 estrellas)****** ¡EXTRAORDINARIA! (NO TE LA PIERDAS)
corta pero gracias a sus papeles secundarios en "La vida inmune" de Ramón Cervántes, "Familia tortuga" de Rubén Imaz y "La niña en la piedra" de Marise Sistach llegó a ser el elegido para protagonizar, en el 2008, de la cinta "Bajo la sal" de Mario Muñoz, junto con un reparto envidiable, Ricardo hace un trabajo muy bueno dando vida a Victor Zepeda, hilo conductor de la historia, papel que ya lo hace poseedor de la Diosa de Plata como mejor actor revelación.
9. Armando Hernández Comenzó su carrera en el 2001, al lado de Luis Fernando Peña y Maya Zapata en la película "De la calle" de Gerardo Tort para, un año más tarde, aparecer en "Amar te duele" de Fernando Sariñana y hacerse acreedor a la Diosa de Plata como mejor actor de reparto, así como la nominación al Ariel por esta misma película. De ahí su carrera ha sido vasta, ya que ha trabajado incesantemente en cine y televisión, haciendolo uno de los rostros más conocidos de nuestro cine. Fué nominado al Ariel como mejor actor protagónico por su papel de "El cucú" en la ópera prima de Javier Patrón Fox, "Fuera del cielo"
8. Luis Fernando Peña. Su debút se dió en la cinta "Un embrujo" de Carlos Carrera en 1998, después, en el 2001 conseguir el protagónico de "De la calle" de Gerardo Trot, por esta película Luis Fernando se llevó el premio "Heraldo de México", "La diosa de plata" y el premio "Mayahuel de plata" del Festival de cine de Guadalajara como mejor actor, así como la nominación al Ariel por esa película y una como mejor actor de reparto por "Perfume de violetas". Ya consolidado como uno de los mejores actores mexicanos, participa en "Amar te duele" de Fernando Sariñana al lado de Martha Higareda. Ha participado en películas importantes como "Desierto adentro" de Rodrigo Plá y "Sin nombre" de Cary Fukunaga.
7. Ximena Ayala Su gran oportunidad se dio en el año 2001, al mando de Marisa Sistach protagoniza la polémica "Perfume de violetas", por la cual la academia mexicana la premia con el Ariel como mejor actriz principal. Desde ahi Ximena ha participado en varias de las cintas mexicanas más importantes de casi todos los años como "Ciudades Oscuras" de Fernando Sariñana, "Las vidas de Celia" de Antonio Chavarria, "Malos hábitos" de Simón Bross y "Desierto adentro" de Rodrigo Plá. además de ser la actriz favorita de Marisa Sistach, ya que ha participado en casi todas sus películas, como "La niña en la piedra" y "El brassier de Emma".
6. Diego Cataño. Llevando a cuestas una fuerte tradición cinematográfica, ya que es medio-hermano de Jonás Cuarón, Diego protagoniza en el 2004 la película "Temporada de Patos" de Fernando Eimbcke, compartiendo creditos con Danny Perea y Enrique Arreola. Más adelante protagoniza el cortometraje ganador del gran premio en Cannes "Ver llover" de Elisa Miller al lado de Sofía Espinoza y la película "Año uña" de su hermano Jonás Cuarón. Tiene un pequeño papel en la película "La zona" de Rodrigo Plá. Su año fué definitivamente el 2008 protagonizando las dos cintas más premiadas de ese año, a las órdenes del director Fernando Eimcke protagoniza "Lake Tahoe" premiada en el festival de Berlín y ganadora del Ariel como mejor película y mejor director, además de la cinta "Desierto adentro" de Rodrigo Plá, ganadora del festival de Guadalajara.
5. Maya Zapata Esta hermosa actriz inció su carrera desde muy pequeña trabajando como interprete infantil en teatro y televisión. Ingresó a la Casa del Teatro a tomar clases con Lucero Trejo mientras participaba en películas como "Santitos", "La otra conquista" y "La ley de Herodes" hasta que en el 2001 recibe su primero protagónico en la cinta "De la calle" del director Gerardo Tort, al lado de Luis Fernando Peña y Armando Hernández ganando el Ariel como mejor actriz protagónica. Después de este gran debut se convierte en una de las actrices más importantes de la escena nacional, participando en la cinta "Los tres entierros de Melquiades Estrada" de Tommy Lee Jones, Gana el premio a mejor actriz en el festival de Guadalajara en el 2003 por la cinta "El mago" de Jaime Aparicio. En en 2004 protagoniza 2 importantes cintas, "Morirse en domingo" de Daniel Gruener por la que gana la diosa de plata como mejor actriz protagónica y, la ópera prima de Enrique Begne, "Dos abrazos".
4. Ximena Sariñana Además de ser una de las revelaciones musicales más imporantes del país con una propuesta fresca e innovadora, Ximena lleva ya un largo recorrido como actriz de cine y televisión, empezando desde muy pequeña en películas de su padre, el cineasta Fernando Sariñana y en telenovelas. Su papel importante se dio en el 2002, con la cinta "Amar te duele" de su propio padre, donde comparte créditos con Martha Higareda, Luis Fernando Peña y Armando Hernández, aquí Ximena interpreta a la hermana de la protagonista, sin embargo su papel pasa por todo menos desapercibido. Más adelante participa en varias películas importantes como "Amor xtremo", "Niñas mal", "Año uña", "El brassier de Emma" y "Enemigos íntimos", además de su papel en "Dos abrazos" el cual le otorga la diosa de plata como mejor actriz secundaria.
3. Danny Perea Comienza su carrera con un pequeño papel en la película Zurdo de Carlos Salcés en el 2003, sin embargo su gran oportunidad llega al trabajar con Fernando Eimbcke en su ópera prima "Temporada de patos" en el 2004, la cinta se recuerda como lo mejor de ese año en cuanto a cine juntando reconocimientos por todo el mundo, más a favor de la actriz que su papel es uno de esos que se queda en la mente colectiva del espectador, uno por estar muy bien escrito y dos por el gran talento de esta actriz. La película, además de ponerla en la escena cinematográfica actual, le da el Ariel y el Mayahuel en el festival de Guadalajara como mejor actriz protagónica. Danny sigue demostrando su talento en series mexicanas como "Vecinos" y "Terminales" para consolidarse como una de las mejores actrices de su generación en la cinta "Hasta el viento tiene miedo" de Gustavo Moheno al lado de Martha Higareda.
2. Martha Higareda Esta hermosa actriz nacida en Villa Hermosa, Tabasco inició su carrera en el 2002 con la cinta de Fernando Sariñana "Amar te duele" interpretando a Renata, con este papel Martha hizo al público llorar y enamorarse gracias a esta trágica historia de amor. Su carisma y presencia hicieron de su papel una delicia, otorgandole la diosa de plata como mejor actriz revelación. Después vinieron un montón de películas nacionaes e internaciones donde Martha se dio a conocer como una actriz muy profesional. No cuestionaré la calidad de las cintas que ha escogido, ya que no todo ha sido éxito, en el 2006 la academia mexicana la nomina como mejor actriz secundaria gracias a su papel en la cinta de Javier Patron Fox "Fuera del cielo". Una actriz muy trabajadora quien se ha ganado a pulso el lugar que hoy ocupa en la escena nacional e internacional, convirtiendola en el rostro joven del cine mexicano, llevandola a protagonizar, al lado de Keanu Reeves la cinta Street Kings en el 2008.
1. Irene Azuela Su carrera comienza como actriz de televisión, ya que inició su formación en el Centro de Formación Actoral participando en la tenovela "Todo por amor" al lado de Angélica Aragón, Fernando Luján, Ana de la Reguera y Cecilia Suarez.Se muda a Londres para estudiar Teatro Clásico en la London Academy of Music and Dramatic Arts y Teatro Físico en la Desmond Jones School of Mime and Physical Theater. Regresa a México donde participa en diversas obras de teatro a las órdenes de Mauricio García Lozano y obtiene un papel en la cinta "El búfalo de la noche" en el 2007. En el 2008 llega protagonizando "Quemar las naves" ópera prima del director Francisco Franco, que comienza como un ejercicio teatral llevandola a cine. El papel de Irene es un papel complicado con diversos matices, pero que ella lo logra sacar de manera impresionante, con un rango actoral digno de cualquier actriz experimentada. Por esta película gana el Ariel como mejor actriz para más adelante participar en la cinta "Bajo la sal" de Mario Muñoz, por la cual gana nuevamente el ariel en la categoria de mejor actriz. Participa también en la cinta "Arrancame la vida" al lado de Daniel Giménez Cacho y en la obra "El buen canario" con la dirección de John Malkovich. Sin duda la mejor actriz mexicana de los últimos años y el rostros fresco que el cine mexicano necesitaba.
BIENVENIDO a este retorcido, enfermo, pero eso si, muy cinematográfico blog de Togno.
Navega con precaución y espero disfrutes un poco el leerlo, ya que yo disfruto muchisimo escribirlo.
No tendría caso recordar las razones por las cuales me metí al cine a ver esta película ya que el daño está hecho. Podría decir que quise bajar al mundo de los mortales y "divertirme" con una comedia romántica normal o tal vez quería ver algo "sencillo" después de tanto cine existencialista y alternativo. La cuestión al final es que las crepas con filadelfia y fresa estuvieron muy dulces. 
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